Cuando se habla de prerrafaelismo, los nombres que acuden a la memoria son casi siempre los mismos: John Everett Millais, William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti, fundadores de la autodenominada Hermandad Prerrafaelita, y seguidores como Ford Madox Brown, Edward Burne-Jones o William Morris, que prolongaron su revolución estética más allá del cambio de siglo. Frente a los dictados de la Royal Academy, todos ellos defendieron un arte basado en la sinceridad, la observación minuciosa de la realidad y el rechazo de los convencionalismos académicos.
Esa es solo una parte de la historia. Aunque la Hermandad fue un club exclusivamente masculino, numerosas mujeres desempeñaron un papel decisivo. Lo hicieron en un sistema que les cerraba el acceso a la formación académica y a las exposiciones oficiales, y que las obligó a abrirse camino por otras vías: redes informales de aprendizaje, talleres compartidos y vínculos personales con el círculo prerrafaelita.
Paradójicamente, este movimiento nacido en torno a un núcleo de hombres les ofreció más libertad que la propia Academia. Sus ideales eran alcanzables para quien quedaba fuera de las instituciones: el prerrafaelismo no exigía dominar la erudición de la tradición, sino mirar la naturaleza con atención, trabajar con autenticidad y confiar en el esfuerzo individual. En esa promesa, muchas encontraron la oportunidad de construir una carrera propia.
Elizabeth Siddal, Joanna Boyce, Marie Spartali Stillman, Evelyn De Morgan, Emma Sandys, Kate Greenaway, Fanny Bunn, May Morris o Julia Margaret Cameron desarrollaron su obra en la senda del movimiento, y varias de ellas lo expandieron hacia terrenos nuevos: la ilustración, las artes decorativas, el diseño y la fotografía. Gracias a estas artistas, diseñadoras y creadoras de diversos ámbitos, el prerrafaelismo no solo sobrevivió, sino que se renovó. Y, de paso, su trabajo desafió las restricciones de género de su tiempo y abrió espacio a las mujeres en la cultura británica.
Un doble recorrido
La exposición Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos (1850-1914), del 24 septiembre 2026 al 10 enero de 2027 en la Sala Recoletos de la Fundación Mapfre de Madrid, ha venido a proponer una nueva lectura de este movimiento, poniendo de relieve la aportación fundamental de las mujeres artistas que contribuyeron a la renovación de la cultura visual británica entre 1850 y el inicio de la Primera Guerra Mundial. La muestra explora, igualmente, la estrecha relación entre el surgimiento del prerrafaelismo y la progresiva incorporación de las mujeres al ámbito artístico británico desde mediados del siglo XIX hasta comienzos del XX. A través de esta doble historia, analiza cómo los cambios sociales vinculados a la denominada “cuestión femenina” coincidieron con la evolución de uno de los movimientos más innovadores del arte victoriano, y cómo las mujeres participaron activamente en su desarrollo, transformándolo desde dentro. Lejos de ocupar un papel secundario, contribuyeron de manera decisiva a la definición, expansión y legado del prerrafaelismo.
El recorrido expositivo se articula en nueve secciones temáticas en orden cronológico, que muestran tanto la evolución de este lenguaje artístico como las transformaciones del contexto en el que trabajaron las mujeres artistas: desde unos inicios marcados por la influencia de las ideas de John Ruskin y las limitaciones de acceso a la formación y a los espacios de exhibición pública, hasta la progresiva conquista de oportunidades de aprendizaje, reconocimiento y autonomía creativa que permitió a un número cada vez mayor de ellas desarrollar una voz propia y acometer proyectos de mayor ambición artística e intelectual a finales del siglo XIX. Son cerca de 130 obras, entre pintura, acuarela, grabado, fotografía, tejido, cerámica o vidriera.
Verdad, naturaleza y fama
Bajo el título Un arte de la vida cotidiana, esta sección cuenta cómo, con el auge de las clases medias desde 1848, el prerrafaelismo apostó por el realismo y la vida contemporánea, algo que sus detractores tachaban de vulgar. Este enfoque benefició a las mujeres, que pintaron lo que tenían cerca: Alice Boyd las vistas desde su ventana, Joanna Boyce y Jemima Blackburn a los campesinos, y Mary Ellen Edwards los interiores burgueses. Ruskin defendía que mirar y sentir valía tanto como la formación académica.
Realidades imaginadas transita por las primeras obras de 1849, inspiradas en la literatura, la historia y la religión, pero tratadas con mirada realista. Elizabeth Siddal, Eleanor Vere Boyle y Jemima Blackburn ilustraron episodios de la poesía de Alfred Tennyson y relatos bíblicos, inspirándose en manuscritos medievales y en la obra de Alberto Durero y William Blake. Sus visiones religiosas, en plena crisis de fe durante la década de 1850, generaron tanto elogios como polémica.
Ante la industrialización y el ferrocarril, Ruskin veía el paisaje rural como un tesoro nacional amenazado. Pedía pintarlo con precisión casi documental, fiel a un lugar y un momento concretos. La “pintura de naturaleza” llegó a ser la cara más reconocible del movimiento. Esto es lo que recoge la sección Belleza y verdad en la naturaleza.
Un mundo en un grano de arena muestra cómo, inspiradas por William Blake y Thomas Bewick y por las ciencias naturales que defendía Ruskin (geología, botánica y meteorología), las artistas renovaron la pintura de animales y el bodegón sin caer en el sentimentalismo. En la década de 1870, algunas contribuyeron a enriquecer la colección que Ruskin inició en el Gremio de San Jorge, todo un tesoro del mundo natural..
La cultura de la fama impulsó el retrato y las fancy pictures. Desde la década de 1870, la influencia de Rossetti volvió el estilo más poético y decorativo, abriendo paso al esteticismo (Emma Sandys, Edith Martineau). Julia Margaret Cameron difuminó en fotografía la frontera entre realidad y ficción. Esto pertenece a Personajes de la realidad y de la ficción.
Caballeros, hadas y porcelana
El bloque Inocencia decorativa aborda la afinidad natural con la infancia que se les suponía a las mujeres. De ahí la abundancia de imágenes de niños. El propio Millais y el apoyo de Ruskin a Kate Greenaway consolidaron el tema, que derivó en la “pintura de hadas”, ejemplificada por la obra de Jessie M. King.
La máxima de Morris contra la producción en masa dio origen al Arts and Crafts. Bordado o pintura sobre porcelana se profesionalizaron gracias a Kate y Lucy Faulkner, May Morris o Bessie Burden, y a escuelas como la de Birmingham (Fanny Bunn, Mary Newill, Florence Camm). Esto lo muestra la sección Lo útil y lo bello.
Medievalismo explora cómo la Edad Media, idealizada como época de sinceridad y piedad, inspiró aspectos como el romanticismo, el heroísmo y la espiritualidad. Los artistas celebraron el ideal caballeresco y la cultura cortesana asociada al rey Arturo y los caballeros de la Mesa Redonda, las vidas de santos, las obras de Chaucer y Dante, y el ciclo de las estaciones que marcaba el ritmo de la existencia medieval. Las “últimas prerrafaelitas”, como Eleanor Fortescue-Brickdale, mantuvieron esta línea hasta el siglo XX. Por último, el bloque Esperanzas y sueños profundiza en cómo, con la “cuestión femenina”, la figura de la mujer artista ganó aceptación. A finales de siglo, con mejor formación y más viajes, la “tercera ola” abordó obras ambiciosas y de gran formato, apoyadas por las exposiciones en la Grosvenor Gallery y la New Gallery, y por artistas de prestigio como George Frederick Watts.
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